Derrière la musique dynamique de la série « Astérix : le combat des chefs », le compositeur Mathieu Alvado a accepté de répondre à nos questions.

Qu’est-ce qui t’a amené vers la musique ?

Vers la musique ou vers la musique de film ?

Vers la musique, puis la musique de film.

Mon père était hautboïste et directeur d’une école de musique, et mon grand-père était lui-même professeur de musique, donc j’ai commencé le piano très jeune, vers 5 ou 6 ans. La musique de film, en revanche, a été une découverte personnelle, vers 10 ou 11 ans. À l’époque, j’enregistrais des films sur VHS et j’en regardais certains en boucle. Je me suis rendu compte, au bout d’un moment, que ce qui me plaisait particulièrement, c’étaient les séquences où la musique jouait un rôle important : le moment où Marty pars en 1955 dans « Retour vers le futur », la scène de la bibliothèque dans « Ghostbusters », Kevin Costner qui joue avec le loup dans « Danse avec les loups », l’ouverture de « Robin des bois, Prince des voleurs »… Ce sont les films avec lesquels j’ai grandi et dont j’ai usé les VHS ! C’est comme ça que j’ai commencé à prendre conscience de la présence de la musique à l’image, à m’y intéresser, puis à acheter des bandes originales, avant de tomber complètement dedans.

J’ai lu que tu as travaillé sur plusieurs courts-métrages. Comment approcher justement la musique sur un format aussi réduit ?

Je ne fais pas de différence entre l’approche d’un court métrage et celle d’un long. Je ne pense pas que la durée d’un film devrait déterminer son ambition ou le style de musique qui doit l’accompagner. Ce n’est pas parce qu’un film est court qu’il ne peut pas accueillir une musique ample, ni parce qu’il est long qu’il nécessite forcément une partition orchestrale. Certains longs métrages n’ont pas besoin d’orchestre, alors que des courts peuvent tout à fait le justifier. Pour moi, c’est avant tout l’image, l’histoire et ce qu’on cherche à raconter qui déterminent l’approche musicale la plus pertinente.

Concernant un autre média, étant donné que tu as travaillé sur « Ghost of a Tale » et « Les fourmis », comment approcher la composition pour des jeux vidéo ?

Là, en revanche, il y a de vraies spécificités. D’abord, beaucoup de musiques doivent pouvoir tourner en boucle. Il faut construire les morceaux de manière à ce que leur fin puisse s’enchaîner naturellement avec leur début. Ensuite, on travaille avec le directeur audio pour déterminer comment la musique sera utilisée dans le jeu. On peut, par exemple, concevoir un morceau avec différentes couches musicales : percussions, cordes, cuivres, bois, piano, chœurs… L’idée est de pouvoir faire évoluer la musique en fonction de ce qui se passe à l’écran. D’abord les percussions seules, puis, lorsque le personnage atteint un certain endroit, on ajoute les cordes, le piano ou les voix. Pour que ce soit possible, il faut fournir ces différentes couches séparément. C’est ce qu’on appelle des stems. Ce n’était pas vraiment le cas sur « Ghost of a Tale », mais sur « Les Fourmis », nous avons travaillé de cette manière. J’ai fourni au directeur audio de nombreux stems, ce qui lui permettait ensuite de choisir, selon les situations, les éléments à utiliser ou de déclencher la musique dans son intégralité. C’est une approche assez différente de celle du cinéma, puisqu’on ne sait pas toujours précisément quand et comment le joueur va déclencher telle ou telle séquence.

Comment t’es-tu retrouvé sur « Astérix : le combat des chefs » ?

J’ai une longue histoire avec l’animation. Mon premier court métrage était le film de fin d’études d’une étudiante en école d’animation. Il a circulé dans plusieurs festivals et écoles, ce qui a amené d’autres étudiants à me contacter. C’est comme ça que j’ai commencé à travailler régulièrement sur des projets d’animation. Au fil des années, j’ai croisé la route de Fabrice Joubert, animateur et réalisateur, qui m’a proposé de travailler sur « Safety », son seul film en prise de vues réelles. Fabrice a ensuite été recruté pour coréaliser « Le Combat des Chefs » avec Alain Chabat, dont c’était la première expérience de réalisation en animation. Quand la question de la musique s’est posée, Fabrice a proposé mon nom. Alain lui a demandé à écouter ce que j’avais fait, et Fabrice lui a transmis une playlist de mes musiques. Et là, Alain a fait quelque chose d’assez incroyable : il a écouté les quarante titres et a envoyé à Fabrice un retour détaillé, en précisant ceux qu’il aimait, ceux qui lui semblaient correspondre à telle ou telle scène de la série… Il avait pris le temps de tout écouter et de se projeter. Nous nous sommes ensuite rencontrés, et c’est comme ça que je suis arrivé sur la série.

Justement je trouve qu’il y a vraiment une dynamique dans ta musique. Je pense à une utilisation de guitare notamment dans le morceau « Candidatures » qui amène ce côté très électrique, qui n’hésite pas à jouer comme Astérix d’un côté très contemporain après l’inscription historique. Quelle a été ton approche globale sur cette musique ?

La plupart des chansons étaient déjà calées très en amont. Deux ans avant la sortie de la série, on savait quasiment quelles scènes comporteraient des chansons et lesquelles seraient accompagnées de musique originale. Et finalement, ça a très peu bougé. L’idée était que les chansons apportent une touche de modernité, souvent avec un décalage humoristique. Certaines font référence à d’autres films, et c’est justement ce contraste qui est amusant. De mon côté, mon rôle était plutôt d’unifier l’ensemble à travers une approche symphonique plus traditionnelle. Cela fait soixante ans qu’on adapte Astérix en animation, et l’orchestre symphonique a toujours fait partie de son identité musicale. Je voulais donc m’inscrire dans cette continuité, tout en développant une identité propre à la série, notamment à travers les thèmes des personnages : un thème pour Astérix, un thème d’amitié entre Astérix et Obélix, un thème pour le village, un autre pour César, mais aussi pour les personnages importants comme Métadata ou Panoramix. L’ensemble reposait sur une écriture symphonique, avec quelques touches celtiques. Pour « Candidatures », la musique temporaire utilisée au montage était moderne. Je savais donc qu’on n’irait pas vers quelque chose de purement symphonique. En regardant la scène, je me suis dit qu’il fallait chercher du côté des campagnes politiques, puisque tous les villageois proposent leur candidature ! J’ai regardé des spots de campagnes françaises et américaines pour identifier les codes musicaux qui revenaient le plus souvent. C’est de là qu’est née l’idée de ce petit riff de guitare qui prend de l’ampleur avant d’être rejoint par l’orchestre, au moment où Astérix réalise que la situation lui échappe.

Est-ce qu’il y a eu aussi un besoin d’écouter en boucle la musique d’« It’s a small world », pour travailler « C’est un monde romain » ?

L’idée était d’imaginer l’équivalent de « It’s a Small World » dans un parc d’attractions romain antique. Il fallait retrouver ce côté joyeux, artificiel et un peu entêtant, sans copier la chanson originale. Ce qui rendait la scène particulièrement amusante, c’était le contraste entre cette musique très légère et les paroles (horribles) qui étaient chantées avec enthousiasme. Au départ, j’avais composé quelque chose d’un peu plus développé, avec une partie A et une partie B. Mais Alain et Fabrice m’ont expliqué qu’on n’aurait pas le temps d’écouter toute la chanson. Il fallait que la première partie tourne en boucle, pour qu’elle finisse par entrer dans la tête des spectateurs. Il y avait aussi une idée assez drôle, finalement abandonnée. Dans l’épisode 5, lorsque Panoramix et Métadata repassent par l’attraction, Alain, Fabrice et Benoît Oullion, le coscénariste, avaient imaginé que les chanteurs soient épuisés à force de répéter la même chanson toute la journée. Nous avons enregistré cette version, avec des voix fatiguées ! Je trouvais que leur idée était géniale mais ils ont finalement décidé que ça fonctionnait moins bien et ont préféré conserver la version initiale. C’est assez représentatif de la manière dont nous avons travaillé sur « Le Combat des Chefs ». Ils avaient des idées formidables, mais aussi cette capacité à prendre du recul et à y renoncer lorsqu’ils estimaient qu’elles ne fonctionnaient pas aussi bien qu’espéré. Et au final, ils n’ont gardé que le meilleur.

J’avais envie de rebondir sur ta remarque de vouloir utiliser des instruments d’époque. Évidemment, vu qu’on est dans Astérix, il y a un anachronisme assumé, mais c’est assez intéressant parce que j’ai l’impression que beaucoup de compositeurs, quand ils s’attaquent à quelque chose d’historique, décident d’essayer de se rapprocher le plus des instruments d’époque, et qu’il y a une forme de refus, un peu d’anachronisme, ou de jouer justement sur un côté symphonique. Que penses-tu de cela ?

Je pense que ça dépend avant tout de ce qu’on raconte. Dans Astérix, on est dans une fantaisie qui ne cherche pas le réalisme historique. On a une grande liberté et aucune raison de s’interdire les anachronismes. Pour « C’est un monde romain », la situation est un peu différente, puisqu’il s’agit d’une musique entendue par les personnages eux-mêmes. C’est ce qu’on appelle une musique diégétique. On imagine qu’il y a des musiciens quelque part dans l’attraction, même si on ne les voit pas. Une approche purement symphonique aurait été moins pertinente. D’où l’idée d’utiliser des flûtes et des percussions qui évoquent les instruments de l’époque. Dans l’écriture de cette chanson, j’ai davantage emprunté aux codes de la musique des années 1950 qu’à ceux de l’Antiquité, c’est surtout l’instrumentation qui apporte la couleur historique. Et puis, il y a les conventions du cinéma. Depuis des décennies, on accompagne des films historiques avec de grands orchestres symphoniques, et ça ne choque personne. Je comprends donc les deux approches. Tout dépend du contexte et de ce qu’on cherche à faire ressentir au spectateur.

Pour revenir sur « Astérix », je trouve que le morceau « Balades en forêt » commence de manière un peu légère avant de prendre des couches.

De mémoire, ce titre de l’album regroupe plusieurs morceaux de la série, notamment les scènes où les Romains se promènent dans la forêt et celle de l’enlèvement de Panoramix. Il y a donc un mélange d’action et de comédie, avec le côté un peu ridicule de la marche des légionnaires. J’ai utilisé de la guimbarde et toutes sortes d’instruments assez amusants pour accompagner leur discussion dans la forêt.  C’était l’occasion de sortir de l’effectif orchestral traditionnel et d’intégrer des sonorités plus originales.

C’est intéressant parce que j’ai interviewé quelques compositeurs français qui ont travaillé sur des comédies, qui m’ont expliqué la difficulté de faire de la bonne musique dans le domaine. Comment tu te retrouves face à ce sujet ?

Il y a plusieurs difficultés : la musique de comédie, la musique d’action et la musique d’animation. Et quand on réunit les trois, c’est probablement ce qu’il y a de plus compliqué ! Il m’arrive de passer beaucoup de temps à décaler légèrement une synchronisation, à modifier le tempo pour voir si un effet fonctionne mieux trois ou quatre images avant ou après. On peut vite devenir fou ! C’est d’autant plus exigeant en animation que la musique est souvent très riche et très véloce. Elle change constamment d’harmonie, de rythme, de tempo, de direction. Elle virevolte généralement beaucoup plus que dans la plupart des films en prise de vues réelles. En comédie, un gag musical placé 1/10ème de seconde trop tard peut tomber à plat. Ça oblige à travailler plus lentement, avec une attention permanente aux détails. Je me souviens d’ailleurs des nombreuses projections intermédiaires organisées pendant la production d’Astérix, alors que nous en étions encore au stade de l’animatique, c’est-à-dire une sorte de storyboard animé, avec les voix et un montage temporaire. Alain et Benoît observaient les réactions de l’équipe pendant ces projections. Ils notaient à quels moments les gens riaient, à quels endroits les gags fonctionnaient moins bien. Et à la projection suivante, certain détails avaient été modifiés et améliorés. Ils ont continué à affiner le rythme et les effets comiques jusqu’au dernier moment.  La musique suit la même logique : lorsqu’ils modifient une scène, il faut réajuster la synchronisation musicale. Mais la vraie difficulté, pour moi, c’est de trouver l’équilibre entre être précis et conserver une musique qui existe par elle-même. Il faut que les gags fonctionnent, que l’action soit lisible et que la musique accompagne efficacement ce qui se passe à l’écran mais il ne faut pas non plus qu’elle devienne uniquement fonctionnelle. Elle doit garder une cohérence musicale, une personnalité et, idéalement, pouvoir vivre en dehors des images. C’est probablement ce que je trouve le plus difficile dans cet exercice.

En revenant sur un morceau de boucle, il y a évidemment le morceau de Panono, qui capte bien quelque chose de très familial qui vire vers l’inquiétude.

C’est une idée d’Alain. Il avait en tête une sorte de dessin animé pour les tout-petits, et c’est pour ça que l’animation est assez particulière dans cette séquence. Pour la musique, il fallait quelque chose de complètement différent du reste de la série. Pas d’orchestre, mais des sons électroniques, des instruments bizarres, quelque chose d’assez naïf. Comme pour « Candidatures », j’ai écouté quelques références pour voir comment ce style de musique était fait. Je me suis amusé à jouer volontairement quelques fausses notes au clavier, parce qu’on en entend dans ces émissions et que, finalement, ça rend le résultat plus authentique ! Au début de la chanson, c’est moi qui chante, mais j’ai modifié la hauteur de ma voix pour qu’on ne me reconnaisse pas, Alain et Xavier Fagnon ont fait les autres voix de cette s équence. C’était amusant à faire, justement parce que ça n’avait rien à voir avec le reste. Et c’est aussi ce qui m’a beaucoup plu sur cette série : on pouvait passer d’un style musical à un autre tout en restant dans le même univers.

À quel point le travail sur une musique orchestrale peut être imposant ?

Je commence toujours par chercher les thèmes. C’est souvent long, parce que tant que je n’ai pas trouvé quelque chose qui me convainc, j’ai du mal à avancer. Ce sont les fondations de la maison : il faut que ce soit solide ! Je vais étirer les thèmes, les transformer et il faut qu’ils fonctionnent dans des scènes très différentes. Sur Astérix, j’ai d’abord fait des maquettes des principaux thèmes, qu’Alain, Benoît et Fabrice ont validés, puis j’ai attendu que l’animation soit assez avancée pour travailler à l’image. Je composais les musiques d’un épisode, je les envoyais, puis on se retrouvait pour discuter de ce qui fonctionnait ou non. Je faisais les modifications, on vérifiait ensemble, et je passais à l’épisode suivant. On a travaillé comme ça pendant presque six mois. Une fois tout validé, j’ai repris mes maquettes pour écrire les partitions de l’orchestre. On est partis à Londres enregistrer pendant trois jours, puis Cécile Coutelier a monté les prises. Je réécoutais tout et je faisais des remarques : un petit bruit ici, une clarinette pas tout à fait juste là, ou une autre prise que je préférais… Ensuite j’ai mixé la musique avec Samy Cheboub. On a travaillé les équilibres, ce qu’on mettait en avant, le son d’ensemble, et on a intégré aussi les percussions et les éléments électroniques qui complètaient parfois l’orchestre. Puis on a livré le tout pour le mixage de la série. Donc, de la composition au mixage, en passant par l’orchestration et l’enregistrement, on revient sans arrêt sur la musique. Chaque étape demande de nouveaux ajustements. C’est un travail plus long qu’on ne l’imagine généralement.

Pour un dernier morceau d’Astérix, j’avais envie de revenir sur « Légion, Potion et Petit Garçon » qui commence justement avec la fanfare avec une certaine évolution.

La fanfare qu’on entend au début du morceau arrive dans l’épisode 2, sur un plan qui reprend la loupe qu’on retrouve dans chaque album d’Astérix. On part d’une bataille perdue par les Romains, puis la caméra dézoome progressivement jusqu’à révéler toute la carte. Au départ, il n’y avait pas de musique prévue sur cette séquence, mais en voyant le plan, je me suis dit qu’il y avait quelque chose d’assez drôle à faire avec une fanfare militaire. Sur l’album, les musiciens jouent parfaitement bien, mais dans la série, Alain voulait que ça finisse complètement en cacahuète ! Ensuite, on passe à la séquence avec Astérix et Obélix enfants. On y entend les prémices de leur thème d’amitié, qu’on retrouvera à la fin de l’épisode, lorsque Obélix découvrira ses pouvoirs. Puis on enchaîne avec le thème principal, au moment où les villageois font la queue pour recevoir la potion magique. Là encore, le thème est présenté assez discrètement, avant de prendre toute son ampleur dans les épisodes suivants. Ce morceau rassemble donc trois séquences assez différentes, mais qui s’enchaînent naturellement et permettent d’introduire progressivement plusieurs thèmes de la série.